Carrete 2

Leyendo el n. 2 de la revista Carrete

Leyendo el n. 2 de la revista Carrete

La tengo desde hace ya varios días, pero hasta ahora no he terminado de verla al completo, aunque seguro que volveré a repasar alguna de las entradas y a disfrutar de nuevo  de algunas de las magníficas fotos incluidas. Hablo del número 2 de la revista “Carrete”. Un oasis de fotografía química, de carrete, en este mundo digital en el que estamos sumidos.

Al igual que en el número anterior, en primer lugar nos encontramos con una amplia galería de imágenes, seleccionadas entre todos los colaboradores, imagino que tras una difícil selección.

A continuación se nos presentan cuatro proyectos fotográficos, que en esta ocasión son los siguientes:

  • “Compound”, donde Pablo García nos muestra varios momentos de la vida de los habitantes de algunas aldeas de Gambia, fruto de un viaje realizado en 2016.
  • Ana Jornet nos muestra un trabajo muy interesante denominado “Île”, donde recoge momentos íntimos de una familia que ha apostado por una forma de vida muy singular, en un lugar solitario, al margen de toda norma social, e integrados plenamente en la naturaleza.
  • “Pinceladas de luz y calma” es el título que Joan Manuel Vera pone a una serie de obras realizadas con Polaroid que han sido posteriormente manipuladas. Unas imágenes sorprendentes, en las que el autor nos muestra su maestría en el tratamiento de este tipo de imágenes, y que realmente te plantea muchos interrogantes.
  • A Laurent Laporte, le llamo la atención la vestimenta y forma de actuar de unos pescadores de Sanur, una playa de Bali. Pronto descubrió que se dedicaban a pescar un pez autóctono de aquella zona. Y decidió dedicarle este trabajo: “Los pescadores de Sanur”, en el que recoge la actividad de estos pescadores tan singulares.

A continuación dos entrevistas, la cual más interesante:

  • Israel Ariño nos habla de la evolución de su obra, siempre ligada a la fotografía química, y nos explica una de sus formas de trabajo preferidas: las residencias.
  • Estela de Castro destaca las características que más le gustan de la fotografía química: su lentitud, las pausas, el tener que pensarte mucho más lo que haces, etc. Y por supuesto nos expone su gran preocupación por el maltrato animal al que ha dedicado parte de su obra, aunque ahora esta metida en otros quehaceres, también solidarios, relacionados con el problema de los refugiados.

Hay también un apartado para  máquinas o productos singulares dentro de la fotografía química, y en esta ocasión les ha tocado a la cámara Rollei 35, en un artículo de Martí Blesa. Y un curioso revelador, prácticamente desconocido el “Holga 400” del que nos habla Juan A. Gambin.

Y para terminar un breve, pero fenomenal artículo de Débora Martinez, dedicado a la fotografía como relato, en el que analiza 3 fotografías en las que predomina el relato fotografico, y nos da su particular visión de las mismas. Algo, desde luego muy arriesgado en este tipo de fotografías, tan abiertas a interpretaciones.

Si eres un fanático de la fotografía química, supongo que ya tienes la revista. Pero si no es así, y te lo estás pensando, ya te digo que merece la pena.

Otra manera de contar (John Berger y Jean Mohr)

Portada del libro "Otra manera de contar"

Portada del libro “Otra manera de contar”

Esta semana terminaba de leer “Otra manera de contar”, obra publicada en nuestro país por la editorial Gustavo Gili en 2013,

…estamos hablando de todo un clásico dentro de la bibliografía existente en la que se trata de contar una teoría de la fotografía
aunque la primera edición en castellano se publicó en 1997 por Mestizo A.C., remontándose la primera edición de la obra, en inglés, a 1982.  Y doy todos estos datos para hacer entender que estamos hablando de todo un clásico dentro de la bibliografía existente en la que se trata de contar una teoría de la fotografía. En este sentido estamos hablando de un campo que antes fue abordado por autores del calibre de Walter Benjamin, Roland Barthes y Susan Sontag.

Los autores son el escritor, crítico de arte y pintor británico John Berger, y el conocido fotógrafo suizo Jean Mohr, dos grandes indagadores de lo visual que en esta obra nos hacen reflexionar acerca de las ambigüedades de lo que, aparentemente, es la forma de arte más sencilla: La fotografía.

Una característica inédita en este tipo de trabajos, es que su teoría la elaboran no sólo con palabra, sino también con imágenes
Una característica inédita en este tipo de trabajos, es que su teoría la elaboran no sólo con palabra, sino también con imágenes, y no sólo se basan en el análisis sino que también incorporan anécdotas y recuerdos de cuando realizaron el trabajo.

Un libro difícil de resumir y de definir, por lo que yo simplemente indicaré las partes de las que consta para que os podáis hacer una idea de su contenido. Y a continuación, y como en otras ocasiones, pongo una relación de frases o pensamientos que se dejan caer a lo largo del mismo, y que a mí al menos me han hecho y me harán reflexionar durante algún tiempo, y que a la vez sirven como resumen muy personal de su contenido.

El libro está dividido en cinco partes:

1ª parte.- Jean Mohr nos habla de su experiencia como fotógrafo, centrándose en la ambigüedad de las fotografías, y para ello nos comenta el resultado de un interesante trabajo en el que muestra la misma fotografía a diferentes individuos, para que cada uno nos de su impresión sobre dicha imagen. Al final el autor nos indica las circunstancias y motivos reales que llevaron a su realización.

2ª parte.- Se titula “apariencias”. Y podríamos decir que es el cuerpo de la obra, en el que John Berger nos expone su teoría de la fotografía. Una teoría que más allá de lo puramente empírico o lo puramente estético nos lleva a la cuestión del significado de “las apariencias”. Pues para Berger, una fotografía es básicamente la cita de una apariencia.

3ª parte.- Se trata de una secuencia de 150 fotografías sin palabras. La secuencia se titula “Si cada vez…”, y es una reflexión sobre la vida de una mujer campesina. Hay que indicar que los autores no pretenden hacer un reportaje, sino más bien un trabajo de imaginación.

4ª parte.- Se habla de las implicaciones teóricas del modo en que se ha intentado contar una historia en el apartado anterior “Si cada vez…”.

5ª parte.- Se añaden  otras disquisiciones teóricas, como las diferencias entre el lenguaje cinematográfico y el fotográfico y se habla de la exclusiva forma de narrar mediante el uso de series fotográficas.

Y como he dejado dicho aquí incluyo algunas citas bastante jugosas, a mi entender, que pueden extraerse de la lectura de este libro, y que pueden dar lugar a reflexiones interesantes.

 

* Una fotografía detiene el flujo del tiempo en el que una vez existió el suceso fotografiado. Todas las fotografías son del pasado, no obstante en ellas un instante del pasado queda detenido de tal modo que, a diferencia de un pasado vivido, no puede nunca conducir a un presente.

* Toda fotografía nos presenta dos mensajes: un mensaje relativo al suceso fotografiado y otro relativo a un golpe de discontinuidad. Este último, debido a lo acostumbrados que ya estamos a la fotografía, suele olvidarse.

* La ambigüedad de una fotografía no reside en el instante del suceso fotografiado sino en la discontinuidad (el abismo entre el momento registrado y el momento de mirar).

* Una fotografía preserva un momento del tiempo y evita que sea borrado por la sucesión de más momentos.

* Un instante fotografiado sólo adquiere significado cuando el espectador puede leer en él una duración que se extienda más allá de si mismo, es decir cuando pueda darle un pasado y/o un futuro.

* Los recursos que tiene el fotógrafo para dar ese significado son muy pobres comparados con otros medios, como los que tiene un narrador, un pintor, etc. En el caso del fotógrafo básicamente consiste en elegir el instante apropiado.

* Esta pobreza de medios hace que a veces necesitemos un título para comprender el significado del suceso.

* Todas las fotografías son ambiguas, todas han sido arrancadas de una continuidad. Incluso un simple paisaje rompe una continuidad: la de la luz y el tiempo. ¿Podría esta ambigüedad sugerir otra manera de contar?

* La relación entre la imagen y lo que representa es una relación inmediata y no construida, es realmente una huella.

* El fotógrafo puede elegir el árbol que quiere fotografiar, el tipo de película, el encuadre, el filtro, la exposición, etc. Pero al final es la luz que emana de ese árbol la que deja la huella sobre la película.

* Un dibujo contiene el tiempo transcurrido al hacerse, su propio tiempo, independientemente del tiempo vital que describe. Pero la fotografía es casi instantánea, el único tiempo que contiene es el del instante aislado que muestra. Y además es un tiempo uniforme, pues al contrario que en la pintura se le ha dedicado el mismo tiempo a cada una de sus partes.

* La fotografía, a diferencia del dibujo no posee un lenguaje. La imagen fotográfica se produce instantáneamente mediante la reflexión de la luz. Las fotografías no traducen las apariencias, las citan.

* Para hacer que una fotografía cuente una mentira tenemos que realizar una intervención elaborada. En si misma la fotografía no tiene un lenguaje que pueda ser traducido. Y sin embargo las fotografías se están utilizando masivamente para engañar más que para informar.

* La cámara no miente ni siquiera cuando es utilizada para citar una mentira. De ahí que la mentira parezca más veraz.

* En cierto modo no hay fotografías que puedan ser negadas. Todas las fotografías poseen categoría de realidad. Lo que hay que examinar es de qué modo la fotografía puede o no dar significado a los hechos.

* Si decimos que la fotografía cita las apariencias, tal vez podemos deducir que la apariencias mismas constituyen un lenguaje. Pero ese es un lenguaje torpe e impreciso, no es un lenguaje completo, aunque al menos abre un espacio para múltiples ideas.

* Una fotografía cita las apariencias, pero al hacerlo las simplifica. Esa simplicidad puede aumentar su legibilidad. Todo depende de la calidad de la cita elegida.

* Las apariencias son ambiguas, con múltiples significados. Esta es la razón por la que lo visual es asombroso y la memoria basada en lo visual, es más libre que la razón.

Enlace al comentario que sobre esta obra se hizo en el diario “El pais”: https://elpais.com/diario/1997/06/25/cultura/867189606_850215.html

 

 

 

Seeing Things (una delicia de libro)

Portada del libro Seeing Things by Joel Meyerowitz

Portada del libro Seeing Things by Joel Meyerowitz

En este vídeo os hago una brevísima reseña de esta delicia de libro del gran fotógrafo Joel Meyerowitz que me ha causado una gratísima impresión y con el que estoy disfrutando un montón.

Un libro que pretende enseñar a los niños a ver o leer las fotografías, pero del que los mayores podemos aprender mucho.

Web de Joel Meyerowitz: http://www.joelmeyerowitz.com/

Blog de Joel Meyerowitz: https://oncemorearoundthesun.com/

Ya tengo el nº. 1 de la revista “Carrete”

Portada del nº. 1 de la revista "Carrete"

Portada del nº. 1 de la revista “Carrete”

Ya tengo en mis manos un ejemplar del número uno de la revista “Carrete”, como reza en su portada “Revista especializada en fotografía analógica”.

Solamente el ojearla es toda una gozada. ¡Cómo me recuerda aquellos tiempos en los que la única forma de conocer el trabajo de los  grandes de la fotografía, era este tipo de revistas! Y aunque los tiempos hayan cambiado, a mí me ocurre como a Rafa Badia, uno de los entrevistados en la revista, donde manifiesta que “…me cuesta mucho más retener a autores que he visto sólo en la pantalla. Yo necesito tocar, los libros me ayudan mucho…”.

La revista comienza con una galería de imágenes de diferentes autores, todas ellas, imágenes interesantes, con mucho contenido, a las que merece la pena echarles un buen rato.

A continuación nos presenta 4 proyectos fotográficos de otros tantos autores:  Jaume Montane, con sus retratos anónimos. Manel Muñoz que nos muestra una especie de simbiosis entre el cuerpo humano y la arquitectura. Franco Carino, con un proyecto basado en fotos Polaroid. Y Mafer Casco con el proyecto denominado “Pandora Spaceship  and the No Radar Spationaut” , en el que propone un descubrimiento de nuestro espacio interior a través de un viaje al espacio.

…me cuesta mucho más retener a autores que he visto sólo en la pantalla. Yo necesito tocar, los libros me ayudan mucho…
Rafa Badia

Interesantísimas las dos entrevistas que vienen a continuación. La primera a Rafa Badia. Fotógrafo, poeta, editor y docente. He disfrutado un montón leyendo su entrevista. Quizás porque coincido con él en muchos de los pensamientos que expresa en cuanto a la forma de ver la fotografía. Si quieres saber algo más sobre él, esa es su página http://rafabadia.net/  .No te pierdas los ensayos de fotografía, unos proyectos del autor, que se encuentran en el apartado de “docencia”, y que puedes descargarte gratuitamente en pdf.

Me ha sorprendido también gratamente el segundo entrevistado Eduardo Pavez. Fotógrafo, dramaturgo, guionista, youtuber, y yo diría, que sobre todo un gran comunicador. En su canal de Youtube  puedes encontrar muchos videos sobre fotografía analógica, uso de cámaras antiguas, y consejos para afrontar la fotografía callejera, o Street photography, apartado en el que es todo un experto.

Olympus trip 35

Olympus trip 35

La revista termina con dos artículos. Uno sobre la mítica cámara Olympus trip 35. Una sencilla cámara, con un objetivo superior, y que puede conseguirse actualmente en Ebay por menos de 20€. Y otro artículo sobre la película Ilfor XP2 400. Película de cuyas bondades nos habla Ramón Jiménez, un apasionado de esta película, que aunque en b&n, curiosamente se revela con el proceso C41.

Bueno, como conclusión. Una revista que seguro que será del agrado de todos los que de algún modo aún no nos hemos desenganchado del mundo de la fotografía química, o de aquellos que han llegado hace poco con esta ola de aire fresco que parece que está viviendo últimamente este tipo de fotografía. Enhorabuena y mucha suerte con este proyecto a los dos jóvenes fotógrafos que han tenido la valentía de llevarlo a cabo: Tiago Almansa y Laia Martínez.

… me gusta más la aproximación analógica, lo que yo llamaría disparo comprometido, en el sentido de que sabes que generas un documento (…) con el analógico generas un documento que aunque tires a la basura “ha sido” mientras que en una captura digital puede desaparecer a los pocos segundos
Raba Badia

Y para terminar quiero hacerlo con otro de los pensamientos  Rafa Badia deja caer en su entrevista: “… me gusta más la aproximación analógica, lo que yo llamaría disparo comprometido, en el sentido de que sabes que generas un documento(…) con el analógico generas un documento que aunque tires a la basura “ha sido” mientras que en una captura digital puede desaparecer a los pocos segundos”

Por cierto se me olvidaba. Si quieres adquirir la revista, puedes hacerlo desde este enlace: página de la revista carrete. Su precio son 20€ y a mí me tardo aproximadamente una semana.

La Habana (visión interior)

Portada del libro (c) Juan Manuel Díaz Burgos

Portada del libro (c) Juan Manuel Díaz Burgos

Ante la expectativa de un próximo viaje que realizaré a Cuba en fechas inmediatas, estoy intentando visualizar todo el material gráfico que me es posible sobre este país. Y tengo que decir que es muy abundante, principalmente en lo referido a La Habana, sobre todo desde que hace unos años se convirtió en destino fotográfico para muchos profesionales y fotógrafos amateurs, que realizan allí gran cantidad de cursos y talleres fotográficos. Y es que pocos sitios como este siguen quedando ajenos a la globalización que acabará arrasando con todas las culturas del planeta.

Pero quiero ver y leer cosas distintas a la amalgama de imágenes y textos que circulan por la Red. Y a veces no tan distintas, pero que han sido las fuentes que luego han inspirado al resto. Y en este sentido hoy traigo a este blog a una obra perteneciente a uno de los fotógrafos, que a mi entender desde hace ya mucho tiempo mejor a entendido y descrito las vida interior de La Habana. Se trata del español Juan Manuel Diaz Burgos.

Conocí a Diaz Burgos hace unos años en el Alandaluz Photofestival de Granada y me causo una gran impresión su humanidad y la sensaciones que transmitía al comentar su trabajo, un trabajo reposado, sin prisas, buscando la perfección. Por aquel entonces  ni siquiera  existía una página web dedicada a su obra, pues nos comentaba su aversión por las nuevas tecnologías, y su preferencia por la fotografía química. Ahora descubro que para deleite de todos, ya podemos, al menos ver su obra en una página,ignoro si también en su método de trabajo ha dado el salto al mundo digital, pero no viene al caso.

En la obra que ahora comento “La Habana: visión interior” Díaz Burgo nos muestra efectivamente la vida interior de La Habana, lejos de las típicas fotografía de turistas y visitantes exporádicos. Imágenes  en las que sin embargo se muestra un gran respeto por todos sus personajes, en las que no se impone ningún juicio de valor. Y en las que se pone de manifiesto un gran conocimiento de la cultura cubana. Su pretensión parece ser simplemente captar momentos, momentos íntimos, que sólo pueden reflejarse con esa naturalidad, gracias a una convivencia con sus personajes, en la que el propio autor corre el riesgo de convertirse en un participante más, pero que hacen posible una obra como esta.

El libro tiene un formato grande, de 29 x 29 cm., y la mayoría de las imágenes ocupan una hoja completa, a veces incluso están a doble página, por lo que puede disfrutarse a gusto de las mismas. Todas ellas son en blanco y negro, pensadas en blanco y negro, y en muchas ocasiones resaltando ese grano característico de la película que tanto nos gusta a los amantes de la fotografía química.

En mi viaje no creo que realice ni por aproximación ninguna foto como la de Díaz Burgos, pero al menos las llevaré presentes en mi cabeza, siempre es bueno llevar buenas referencias visuales.

 

Datos del libro

  • Nº de páginas: 124 págs.
  • Editorial: LUNWERG
  • Lengua: CASTELLANO
  • Encuadernación: Tapa dura
  • ISBN: 9788477828730
  • Año edición: 2007
  • Plaza de edición: BARCELONA

 

 

La subversión de la realidad.

Portada de la publicación

Portada de la publicación

Esta semana, azarosamente, caía en mis manos este catálogo de una exposición fotográfica que tuvo lugar en la Sala Millares de octubre de 2001 a enero de 2002.

Me resultó interesante el título del mismo “La subversión de la realidad” un tema sobre el que leído, reflexionado y escrito en numerosas ocasiones, la mayoría de ellas teniendo siempre presente el legado fotográfico y bibliográfico de Joan Fontcuberta, el gran referente en estas cuestiones. Pero a pesar de ello no conocía esta publicación, en la  que bajo este tema, se presenta el trabajo de 5 fotógrafos españoles a saber: Isabel Flores, Aitor Ortiz, Ángel Marcos, Vari Caramés, y Martí Llorens.

En sus trabajos, cada uno desde perspectivas muy diferentes, nos presentan un escenario en el que las imágenes prescinden voluntariamente de la veracidad que parece ir indisolublemente unida al hecho fotográfica. Cuesta encontrar la forma en la que cada uno de ellos ha subvertido la realidad, para convertir a las imágenes en un mero punto de partida, a partir del cual, recrear situaciones imaginarías, fantasías, sueños, etc.

(c) Isabel Flores

El trabajo de Isabel Flores es quizás el más poético, a través de sus imágenes, en formato de libro de aventuras, nos hace quedar inmersos y casi naufragar con ella en una aventura fantástica al más puro estilo de las novelas de Melville, Poe, o Stevenson. Qué pena que en la publicación aparezcan las imágenes a un tamaño demasiado pequeño, pero buscando en Internet puedes ver parte de ellas, y realmente merece la pena.

(c) Aitor Ortiz

 

En las “Destructuras” de Aitor Ortiz es quizás más difícil ver donde está la trampa que esconden sus imágenes. En principio todas ellas son extremadamente reales. Pero al mismo tiempo nos damos cuenta que esconden algo inquietante. Sus edificios son más bien partes de una realidad fragmentada, son como objetos abstractos, descontextualizados, que parecen tener una justificación existencial por sí mismos, sin necesidad ni siquiera del hombre, que nunca está presente en sus imágenes.

 

(c) Ángel Marcos

Ángel Marcos nos presenta escenas de la vida cotidiana pero en la que los actores nos son mostrados desde otros puntos de vista utilizando para ello generalmente una pantalla, a la que los propios actores suelen ser ajenos. Toda una metáfora visual para hacernos reflexionar.

 

 

 

 

Vari Caramés

La sensación que tienes al ver el trabajo de Vari Caramés es la de estar viendo una acuarela más que una fotografía, su obra tiene una gran plasticidad y un colorido precioso. Pero aparte de la estética, sus imágenes nos hacen plantearnos el paso del tiempo, y la congelación del mismo que es parte integrante de cada captura fotográfica, así como de las distintas formas de ver ese devenir temporal por nuestros sentidos y por la cámara fotográfica

 

(c) Martí Llorens

El montaje de Martí Llorens es un engaño al más puro estilo Fontcuberta. Sus imágenes nos muestran supuestas escenas de la guerra civil española. Fotografías que los milicianos enviaban a sus familias y amigos, todas ellas fechadas y con la anotación de los comentarios que aparecían al dorso. Su apariencia de realidad es asombrosa. Pero cuando llegas al final descubres que todo es una farsa, y que las fotografías proceden del rodaje de la película “Libertarias” rodada en el verano de 1996.

 

Por lo que veo, y es habitual en este tipo de publicaciones, el libro está agotado, y es casi seguro que no habrá nuevas ediciones, pues como decía se trata del catálogo de una exposición de hace varios años. Pero puede encontrarse en bibliotecas, como la Biblioteca Pública de Ciudad Real.

DATOS DEL LIBRO
  • Nº de páginas: 116 págs.
  • Encuadernación: Tapa blanda
  • Editorial: MINISTERIO DE EDUCACION Y CIENCIA C
  • Lengua: Castellano
  • ISBN: 84-369-3496-2

“El fotógrafo ante el Paisaje” libro de David Santiago

Portada del libro "El fotógrafo ante el paisaje" de David Santiago.

Portada del libro “El fotógrafo ante el paisaje” de David Santiago.

Dentro de la colección “Fotoruta” la editorial “JdeJ editores” publica una serie de libros sobre fotografía, generalmente de carácter monotemático y escritos siempre por un acreditado fotógrafo en el tema tratado.

En el libro que voy a comentar hoy se habla de la fotografía de paisaje. Su título lo dice todo “El fotógrafo ante el paisaje”. Y su autor es ni más ni menos que David Santiago. Como ya sabréis un reputado fotógrafo que ha trabajado para las agencias y revistas más prestigiosas: Traveles, GEO, National Geographic, Viajar o Lonely Planet. También ha realizado como profesor numerosos talleres, y sus fotografías podemos verlas en muchos centros de interpretación, presentaciones y libros relacionados con la naturaleza y el medio ambiente. A parte del libro que comento, también es autor de “Los ríos de España”, “El Parque Natural del Alto Tajo en imágenes” y “Foto a Foto 05”.

Entrando en materia, diré que es difícil calificar el nivel del fotógrafo al que le puede interesar este libro. Pues aunque en un principio quizás pueda pensarse que quien más provecho le va a sacar sea aquel que quiera iniciarse en la fotografía de paisaje, incluso sin muchos conocimientos técnicos, pues el libro comienza con aquellos rudimentos imprescindibles para realizar cualquier tipo de fotografía: tipos de cámaras, formas de medir la luz, hiperfocal, balance de blancos, etc. Después, te das cuenta que poco a poco David Santiago te va metiendo en su filosofía de trabajo, en como aborda él la toma de las diferentes situaciones a las que puede enfrentarse un fotógrafo de paisaje. Y claro por mucho que sepas de fotografía siempre es interesante saber cómo trabaja uno de los grandes en su materia, y cuáles son sus trucos.

El libro está dividido en cuatro apartados:

Fotografía para todos.- En el que se hace un repaso a la técnica básica de la fotografía, y no tan  básica. Tipos de medición de la luz, la utilización del histograma , la hiperfocal, el bracketing, el balance de blancos, etc.

La composición en el paisaje.- Un apartado que no podía faltar en fotografía de paisaje, donde la importancia de la composición alcanza su máxima expresión. Este puede ser el apartado más interesante para algunos lectores, pues en él. David Santiago nos da su punto de vista sobre algunos aspectos muy controvertidos: La existencia o no de “las reglas” y hasta qué punto cumplirlas, como colocar el horizonte, la importancia de la armonía, los formatos, etc.

Ecositemas.- Aquí veremos cómo enfrentarnos a los diferentes tipos de paisajes que se nos pueden presentar, incluso en las condiciones más extremas como las montañas o los desiertos. Veremos la importancia de las mareas o como obtener mejores fotografías dentro de un bosque o como sacar partido de la textura de los ríos y lagos.

Factores naturales que intervienen en el paisaje.- En el que se tratan todos aquellos fenómenos o meteorológicos  que pueden darse en cualquier tipo de paisajes. Se nos empieza mostrando las características de las cuatro estaciones de año y las diferencias de las horas azul y dorada y se le da un repaso a los principales fenómenos atmosféricos y como sacarle provecho en fotografía: Las tormentas, el arco iris, el viento, etc.

La fotografía nocturna de larga exposición.- Sin tratarse de un libro especializado en este tema. Su autor ha querido también dejarnos sus consejos para este tipo de fotografía. Y la verdad es que, aunque desde un nivel básico, he visto alguna que otra cosa que no viene explicada con tanta claridad en libros especializados en este tema.

 

Yo tengo que confesar, que cuando comencé a leer el libro no tenía grandes expectativas, salvo por la experiencia de su autor, pues pensé que se abordaría el tema desde un punto de vista demasiado generalista, pero pronto me pique con su lectura, sobre todo por las constantes apariciones a lo largo de todo del texto de consejos y trucos sugeridos por el autor, que al menos para mí, le dan un gran valor diferencial a la obra con respecto a otras que pueden encontrarse en las librerías. Leyendo el libro he aprendido por ejemplo, a cómo influye el circulo de confusión de la cámara en los cálculos para conseguir estrellas sin movimiento en la fotografía nocturna de larga exposición. A saber que es el efecto Purkinje. A comprender el efecto de los diferentes tipos de mareas en la fotografía de paisajes marinos. O a diferenciar los diferentes tipos de crepúsculo.

Muy recomendable por lo tanto su lectura. En especial, para quien quiera comenzar o perfeccionarse, en el a la vez apasionante y frustrante mundo de la fotografía de paisaje. Y es que como diría el maestro Ansel Adams: “La fotografía del paisaje es la prueba suprema del fotógrafo, y a menudo la decepción suprema”

“Intimate Landscape” , y otros 416 libros de arte gratis.

Líquenes en el árbol de palo santo . Isla Barington ,Islas Galápagos . 21 de mayo de 1966 (Eliot Porter)

Líquenes en el árbol de palo santo . Isla Barington ,Islas Galápagos . 21 de mayo de 1966 (Eliot Porter)

Hace un par de días , una amiga compartía en una red social un enlace, en el que se informaba que el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, había colgado en la red, para su visionado, o descarga de forma gratuita, 417 libro de su colección de historia del arte.

La verdad es que la colección es impresionante, y lo primero que hice fue testear los libros que había referentes a fotografía, que sí que hay unos cuantos, y a continuación puse el nombre de un fotógrafo americano que me vino a la mente: Eliot Porter. Y así fue como encontré una de sus obras, que no conocía, y que lleva por título “Intimated landscape” (Paisajes íntimos), obra publicada por The Metropolitan Museum of Art of New York.

En el libro se recoge en 55 imágenes, o más bien debería decir láminas, para ser un poco más fiel a la traducción de la obra que usa la palabra inglesa “plates”, las obras correspondientes a la exposición qpo MET realizo en 1979 sobre Eliot Porter.

Eliot Porter  ha sido muy reconocido, entre otras cosas, por sus trabajos en fotografía a color, en la que fué un auténtico pionero, utilizando el proceso dye-transfer de Eastman Kodak, que él  desarrollaría de forma personal, haciendo sus propias copias, con un estilo y calidad inconfundibles.

Y desde luego cuando repasas las láminas de este joya de publicación, repito, ahora gratuita en formato digital, en lo que menos piensas es en la técnica, sino en el efecto cautivador de sus imágenes.

En las fotografía de Porter hay una atmosfera especial que te atrae, un equilibrio tonal sublime, que hace que puedas quedarte mirando la imagen casi hipnotizado por la sensación placentera que se percibe. En cuanto a la composición, en principio parece que no tenga nada que ver con las reglas formales a las que estamos acostumbrados. Muchas de sus imágenes están de algún modo basadas en esa “teoría del caos” a la que Porter dedico parte de su trabajo y donde él decía que radicaba la belleza de la naturaleza. Y a pesar de todo, se percibe un orden, un orden que sólo un maestro como él era capaz de poner en ese caos, para que el resto de los mortales pudiéramos disfrutar de esa belleza.

Aquí te pongo el enlace a la página del MET donde están estas y otras grandes obras de arte. Y yo por mi parte voy a ver si encuentro este libro en papel, pues no me conforme con ver estas imágenes en la pantalla.

Libros gratuitos de historia del arte del MET.

Presentación de “Fotografías” de Pepe J. Galanes

Presentación de Libro fotografías de Pepe J. Galanes

Presentación de Libro fotografías de Pepe J. Galanes

Si ya de por si la presentación de un libro es todo un acontecimiento. Para los amantes de la fotografía, si el mismo es de fotografías, pues mucho más. Y si además se trata de un paisano, y la presentación es en tu propia localidad, pues la cita es ineludible.

Y allí estuve ayer,  en la casa de la Cultura de Daimiel, junto algunos de los aficionados y amantes de la fotografía, en la presentación del libro de Pepe J. Galanes: Fotografías. Editado por el servicio de cultura de la Excma. Diputación Provincial de Ciudad Real, formado parte de su Biblioteca de Autores Manchegos.

En la presentación, además de con la presencia e intervención de D. José Manuel Caballero, presidente de la Diputación de Ciudad Real, y de D. Leopoldo Sierra Gallardo, alcalde de Daimiel, los asistentes tuvimos del placer de conocer en persona a la gran historiadora de la fotografía  Marie-Loup Sougez. ¡Todo un lujo!. Yo no pude evitar la tentación de intercambiar unas palabras con ella, sobre todo para expresarle mi admiración por su padre Emmanuel Sougez, cuyas fotografías han sido muchas veces fuente de inspiración para mí.

El libro constan de más de cien imágenes, en las que se hace un recorrido agrupado de forma temática, por toda la trayectoria fotográfica de Pepe J. Galanes, a lo largo de  sus más de treinta años de dedicación a la fotografía.

La calidad de las fotografías de Pepe J. Galanes está fuera de toda duda, y yo destacaría en él, más allá de otras cualidades técnicas como su gran dominio de la luz, que parece que es algo que se presupone en un gran fotógrafo, su minuciosidad y cuidado del detalle y la perfección. Fotografías en las que no se busca la espectacularidad superficial, y que nos hacen ver el mundo tal como diría Garry Winogrand como si este fuera un lugar para el que hemos comprado una entrada.

Los temas tratados son muy variados, pues cómo he dicho se trata de un recorrido por una labor fotográfica de más de 30 años: Paisajes, retrato, publicidad, reportaje, etc. Y en cuanto a los formatos y técnicas domina el color pero también hay fotos en blanco y negro, como una de las que cierra el libro y en la que vemos una panorámica de Daimiel, a lo lejos, y con un perro en primer plano, saliendo por la izquierda del encuadre. Una imagen con una gran fuerza visual, y que propio Galanes comentó en la presentación. Hay algunas panorámicas y varias a doble página que añaden más espectacularidad a la toma.

La edición es impecable como son todos los publicados por la Biblioteca de Autores Manchegos, y la selección y ordenación de las imágenes muy acertada. Y el precio, por cierto muy asequible, pues puede adquirirse por 12€, algo ridículo para un libro de estas características.

Mi enhorabuena para Pepe J. Galanes por haber llevado a buen fin un proyecto de este tipo, que tanto tiempo y trabajo necesita hasta que se ve acabado.

Las tres miradas


Categoria: Desgranando un libro –
Poética fotográfica (LLorenç Raich Muñoz)

Todo autor tiene tres miradas. Cuando alguien toma una cámara por primera vez con el fin de expresar algo, se encuentra, al igual que los precursores de la fotografía, ante su primera mirada.

Después hay otra mirada que surge durante el proceso evolutivo de cada uno, en la madurez de la obra de cada autor . Es de suponer que en esta etapa ya se conocen todos los entresijos del leguaje, todos sus recursos y posibilidades. En esta etapa se logra la primera aportación personal al lenguaje y a la historia del medio.

Y al final, hay una tercera mirada donde se busca la reafirmación. Pero en todas las miradas debe haber una reflexión que nos haga cuestionarnos nuestra trayectoria, que nos haga pensar ¿Cuales son los espacios, o los tiempos a los que la fotografía aún no ha llegado a acceder?

Bueno, quizás  hoy me he puesto muy profundo con estos pensamientos  que me surgieron a raíz del libro de Raich Muñoz, pero creo que son interesantes y que puede ayudarnos a ver y comprender la evolución de los grandes maestros de la fotografía, y por qué no también la nuestra. Y tú ¿En qué punto?, ¿En qué mirada te encuentras?

Esto también nos puede llevar a ponernos según nos sugiere el propio Raich en la situación de los precursores de la fotografía , momento en el que no había unos referentes, y por lo tanto sus propuestas eran siempre una primera mirada. No en vano en la segunda cubierta del libro de Talbot “The Pencil of Nature”, al que pronto dedicaré una entrada del blog, aparece el siguiente epígrafe extraído de las Geórgicas (III, 293) de Virgilio: “juvat irejugis qua nulla priorum castaliam molli devertitur orbita clivo” ( me place caminar por las cumbres donde antes nadie ha dejado sus huellas para bajar por las suaves laderas de la Castalia). Algo cada vez más difícil de conseguir, pues ya sabemos que hoy puede pensarse que esta todo explotado, pero en cada uno de nosotros hay algo que nos hace ver la realidad de forma de distinta, y hay pienso que esta nuestras cumbres sin pisar, ahí es donde debemos profundizar a la hora  de desarrollar nuestro caminar fotográfico, o eso me parece a mí.